De Romy Schneider... à Sarah Biasini

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Dommage qu'elle soit une putain

Mars 1961 - 7ème partie

Mein Schonnes Blatt - N° 5 - 06 mai 2017

Article intérieur : * Romy Schneider : Davids Tod brach ihr Herz 2 pages 9 photos

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Le Magazine - N° 121 - Novembre 2017

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Au programme du N° 121
(16 pages + dossiers spéciaux = 26 pages) :

M le « Modi », une vie d’artiste sur les planches du théâtre de l’Atelier

Source : Culture-J - 12 novembre 2017

Dès que se lève le rideau, le décor est planté : un chevalet, des toiles pêle-mêle au sol et contre les murs, des dizaines de pinceaux… Pas de doute, nous sommes dans un atelier d’artiste. Et quel artiste !

Contre l’avis de ses parents, Jeanne Hebuterne vit depuis quelques temps déjà avec Amédéo Modigliani, dont elle est à la fois la compagne et la muse, dans le quartier du Montparnasse. Entre un père qui l’a reniée et une mère dévouée mais antisémite, Jeanne, ex-modèle de Foujita et elle aussi artiste, vit une existence de bohème dans le dénuement le plus complet.

Artiste le plus talentueux mais aussi le plus tumultueux de ce Paris du début du siècle, Amédéo Modigliani est un homme colérique, excessif et insatisfait, un tuberculeux imbibé d’absinthe et grand consommateur d’opium et de cocaïne. Non reconnu, il peine à évoluer artistiquement, et la première grande exposition à lui avoir été consacrée chez la galeriste Berthe Weill a fait scandale. Accusées d’ «outrage à la pudeur», certaines de ses toiles ont du être décrochées dès le premier jour. Tout ça pour quelques poils pubiens…

En 1917, sous l’impulsion de son marchand Leopold Sborowsky, qu’il malmène au même titre que tout son entourage, Modigliani, accompagné de Jeanne, quitte un Paris en proie aux bombes pour se réfugier à Nice. Un endroit qui ne fera rien pour améliorer l’humeur et le moral de l’artiste, dont la seule occupation de la journée ou presque est de marcher du Negresco au port, et du port au Negresco… Il en arrive même à peindre des paysages, c’est dire s’il s’ennuie !

Un «exil» qui durera jusqu'en mai 1919, date à laquelle Jeanne et Modigliani, de plus en plus malade, regagnent enfin la capitale. Quelques mois plus tard, en janvier 1920, celui que l’on surnommait «le prince du Montparnasse» meurt d’une méningite tuberculeuse, une disparition qui sera suivie deux jours plus tard par celle de sa compagne, enceinte de neuf mois, qui se suicidera en se jetant du cinquième étage.

«Modi», c’était à lui seul toute une histoire. Et il fallait bien la scène d’un théâtre pour lui rendre hommage. Dans un Paris de bohème où les noms de Soutine, Chagall, Picasso, Vlaminck, Cezanne, Matisse, Cocteau ou Foujita résonnent comme autant des chefs-d’œuvre, Laurent Seksik invite donc les spectateurs à pénétrer dans l’intimité des trois dernières années de l’un des peintres les plus maudits de l’Ecole de Paris.

«Passionné par sa vie, quand je cherchais la voix du roman pour raconter son existence, je tournais en rond. Le personnage, si exceptionnel, si multiple, si lumineux, si grandiose, si tragique et si jubilatoire semblait à l’étroit dans mes pages, sa personnalité dépassait du cadre du livre dans lequel je voulais l’enfermer. Quand je l’imaginais, il s’agitait sur ma feuille, se mettait à gueuler, à courir, à danser et se mettait à peindre. Sa théâtralité un peu folle ne trouvait pas sa mesure sur la feuille de papier. Elle en appelait à l’oralité, au dialogue, au mouvement, à la scène. Le flamboyant Montparnasse des années 20 nécessitait le pourpre du rideau. Le génie de Modi exigeait les planches pour nous entraîner dans son monde où les femmes baisent les étoiles de leur cou immense et les hommes aux grands masques figés font soupirer ou terrifient de leur sérieux grotesque.»
C’est ainsi que Laurent Seksik, auteur de ce superbe spectacle, évoque Modi, qu’il signe d’une main de maître. Déjà à l’initiative de nombreux romans sur des personnages illustres – Romain Gary s’en va-t-en guerre, Le cas Eduard Einstein… –, il livre ici sa troisième adaptation théâtrale après Les derniers jours de Stefan Zweig et Le monde d’hier.

Et pour camper son «Modi», le choix de l’auteur s’est porté sur… Stéphane Guillon, que l’on aurait trop souvent tendance à ne ramener qu’au rôle d’humoriste ou de chroniqueur. Mais c’est sans compter sur la formation artistique de cet ancien élève de Jean-Laurent Cochet et de Vera Gregh. Sa prestation est tout simplement bluffante. Tour à tour excessif, paranoïaque ou déprimé, ivre ou drogué, amoureux ou indifférent, Stéphane Guillon impose ici une présence scénique incroyable qui donne jour à un réel talent de comédien. De très bon comédien.

Quant aux autres protagonistes, c’est à la toujours très attendue Sarah Biasini que revient d’endosser le rôle de la maîtresse éperdument éprise, tantôt aimée tantôt délaissée, entourée d’une mère – Geneviève Casile – protectrice et cinglante à souhait, et d’un marchand d’art – Didier Brice –, désabusé par les excès de son client.

Un grand moment de théâtre, à voir absolument !

"Modi", actuellement au théâtre de l’Atelier. Informations et réservations sur le site du théâtre de l’Atelier.
"Modi", de Laurent Seksik, aux éditions Flammarion. 170 pages. 13,00€.

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Exposition : "Le mystère Clouzot" à la Cinémathèque (Paris 12e)

Source : Cinémathèque.fr - Novembre 2017

Du 08 novembre 2017 au 29 juillet 2018

Au programme (voir liste complète sur le lien ci-dessus) :

• Diffusion du film "L'enfer, d'Henri-Georges Clouzot"
• le mercredi 22 novembre 2017 à 21h15
• Salle Georges Franju
• Séance présentée par Serge Bromberg

Imaginée à partir des collections de la Cinémathèque française, l'exposition Le mystère Clouzot, organisée dans la Galerie des donateurs du Musée, revient sur l'itinéraire de ce «chercheur d'absolu», réalisateur des "Diaboliques", du "Salaire de la peur", du "Mystère Picasso"... Elle met en évidence un Clouzot souvent inattendu grâce à un parcours composé de maquettes de décors, storyboards, costumes, affiches, photos de tournages ainsi que des photos d'art méconnues, prises par Clouzot lui-même. Une rétrospective des films de ce grand nom du cinéma français classique accompagne l'événement.

Henri-Georges Clouzot ou la place du mort
«Vous êtes des esthètes du crime !» Ce coup de chapeau, par lequel l'inspecteur Wens saluait les trois Durand de "L'Assassin habite au 21", pourrait s'adresser à Clouzot lui-même : tout en reprenant les prétextes et procédés du genre criminel, il élude l'énigme du coupable à démasquer au terme d'une progression dramatique linéaire, pour lui substituer un jeu de miroirs autrement pervers. Dès son premier film – et les marionnettes sans visage qu'y fabrique Larquey –, le cinéaste installe le règne du mal non comme celui d'une «vérité» à découvrir mais d'une présence diffuse, impersonnelle, protéiforme, qui se dérobe dès qu'on croit la saisir. Cela passe d'abord par la confusion des repères narratifs, qui empêche le spectateur de s'identifier à une délégation rassurante de lui-même, et le laisse partagé entre des «doubles» aux contours indécis : Wens et Mila Malou, enquêteur bicéphale qui n'accède au cœur de l'énigme qu'au prix de menues duplicités.

Descente aux enfers
Ce dédoublement s'amplifiera dans "Le Corbeau", où l'on sait encore moins à quel saint – ou démon – se vouer, entre le médecin au passé trouble et le psychiatre toxicomane ; et si la figure de l'inspecteur revient dans "Quai des Orfèvres", puis dans "Les Diaboliques", ce n'est que tard dans le récit, telle la réincarnation très humble et très ordinaire d'un deus ex machina qui serait impuissant à enrayer le cours des choses... Autour de cette loi absente, une culpabilité innombrable se déploie, qui est celle des cauchemars où le danger se cache derrière le familier ; aucun film de Clouzot ne résume mieux cette logique onirique que "L'Assassin...", avec ses rues irréelles, peuplées de meurtriers indiscernables, avec son inquiétude d'autant plus révélatrice du climat de l'Occupation qu'elle s'exprime sous des dehors innocents. Aucun cinéaste n'aura plus lucidement vu venir le temps des assassins, dans toute l'acception collective du terme : un temps où chaque Français moyen peut s'avérer un salaud, où les catégories humanistes de la IIIe République sont gommées par l'omniprésence du soupçon : à l'anonymat multiple de Monsieur Durand fait écho, dans "Le Corbeau", celui des lettres qui s'abattent sur Saint-Robin, et dont peu importe de démasquer l'auteur puisque tous ont été capables de les écrire. Et même si les Jenny et Maurice de "Quai des Orfèvres" ne sont pas directement responsables de la mort de Brignon, même si la Christina des "Diaboliques" ne l'est pas davantage – et pour cause – de celle de son mari, il suffit qu'ils aient porté le crime dans leur cœur pour n'être pas tout à fait innocentés. À la lettre, c'est à une descente aux enfers qu'invite Clouzot, selon autant de cercles qui renvoient indéfiniment à un nouveau vice, qui renvoient surtout le spectateur à sa mauvaise conscience. D'autant qu'au-delà des données lisibles du récit, le réalisateur ménage un espace vide, un no man's land où le public se retrouve complice du mal par le seul fait d'y assister : c'est ce que traduisent les effets de caméra subjective dans les deux premiers films ; et, plus étrangement, ce prologue du "Corbeau" où il semble que ce soit la mort même qui emprunte nos yeux pour errer dans le cimetière, ouvrir la grille, toiser l'église qui domine la ville. L'idée sera reprise au cours de l'enterrement, lorsque le cinéaste nous impose le point de vue du défunt pour observer les paroissiens, juste avant qu'une nouvelle lettre ne s'échappe de la couronne mortuaire... Et c'est encore la mort qui apportera au film sa conclusion (?), sous le voile d'une vengeance qui s'éloigne en silence. Ce glissement vers un statut d'apprenti sorcier, qui compromettrait toutes les instances de la représentation, se renforce tout au long de l'œuvre – depuis un scénario de science-fiction ("Le Monde tremblera" de Richard Pottier) jusqu'à cette photo de classe des "Diaboliques" où se dessinent les traits du directeur disparu : il faut que le temps se dérègle ou s'arrête pour qu'on voie enfin cette place du mort d'où l'image est regardée.

Aussi bien, Clouzot privilégie l'angle fragmentaire et le détail, dont la collection maniaque ne vise qu'à reconstituer un crime qui n'a pas eu lieu, à exorciser un péché d'origine incertaine : sa crudité minutieuse n'a d'égal que le défaut d'incarnation de ses créatures. On a l'impression que son regard est trop coupable (trop conscient) pour laisser ses personnages assumer librement leur culpabilité ; la monstrueuse excroissance de son moi créateur ramène ses films à l'auto-contemplation, en circuit fermé, d'un cinéma en train de se refaire, tout en leur interdisant ce dépassement initiatique proposé par ses maîtres Hitchcock ou Lang.
Dans "Le Corbeau", cela peut prendre la forme d'un expressionnisme rhétorique, qui trouve une célèbre illustration dans la scène où Larquey fait se balancer la lampe en dissertant sur le bien et le mal, l'ombre et la lumière... À partir des années cinquante et de la médiatisation internationale du cinéaste, cela deviendra une manipulation de plus en plus virtuose : du "Salaire de la peur" aux "Espions", des "Diaboliques" à "L'Enfer", Clouzot s'adonne à une surenchère spectaculaire dans l'expérimentation de la fiction et de ses pouvoirs mystifiants – jusqu'à se retrouver pris au piège de cette omniscience à la "Mabuse". C'est d'ailleurs l'époque où il filme d'autres artistes, cherchant à ressaisir le mouvement de la création, quand la sienne se paralyse dans la démesure.
Peut-être son génie ne s'est-il jamais mieux épanoui que sous la contrainte. C'était le cas dès "L'Assassin...", où le modèle de la comédie policière made in Hollywood laissait libre cours à son goût des jeux de rôles. C'est encore plus vrai dans "Quai des Orfèvres", qui marque, après le scandale du "Corbeau", un parti pris de neutralité et d'invisibilité : on y relève à peine quelques effets manifestes, comme l'enchaînement elliptique des scènes d'introduction, qui ne fait qu'ajouter à la fluidité du découpage. Surtout, c'est le seul de ses films où, sans condamner d'emblée ses personnages, Clouzot les accompagne au plus épais du quotidien, avec leurs difficultés et leurs contradictions ; quitte à les abandonner à leur devenir, à la fois plus criminels et plus humains. Peut-être fallait-il en revenir aux codes du genre pour que ce cinéaste misanthrope se réconcilie (le temps d'un chef-d'œuvre) avec ses semblables.

Noël Herpe

Infos pratiques :

LIEU :

• Cinémathèque française
• 51 rue de Bercy - 75012 Paris

CATALOGUE :

• Le mystère Clouzot
• 216 pages - 180 illustrations
• 29 euros

HORAIRES :

• Lundi : 12h00 - 19h00
• Mardi : Fermé
• Mercredi à dimanche : 12h00 - 19h00
• 25 décembre 2017 / 1er janvier 2018 / 1er mai 2018 : Fermé

TARIFS :

• Plein tarif 5 €
• Tarifs réduits : voir le lien ci-dessus

 

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TSF Jazz : "Coup de Projecteur" du 10 novembre 2017

Source : TSF Jazz - 04 novembre 2017

Le regard sur la scène culturelle, par ceux qui la font et qui traverse toutes les formes artistiques. Ils sont comédiens, réalisateurs, metteurs en scène, écrivains, chorégraphes. Ils interrogent leur temps et la société à travers cinéma, théâtre, livres, danse ou expositions.

Coup de projecteur sur TSF Jazz
Du lundi au vendredi à 08h30, 13h30 et 16h30

Trouvez votre fréquence TSF Jazz ici

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«Modi», c’est le titre de la pièce de Laurent Seksik consacré à Modigliani et qui est présentée actuellement au théâtre de l’atelier à Paris. Sur scène, on retrouve Stéphane Guillon, Sarah Biasini, Geneviève Casile et Didier Brice. « Modi » retrace entre 1918 et 1920 les deux dernières années de la vie du peintre, dandy provocateur.

Rencontre avec Stéphane Guillon.

Pour écoutez l'émission, c'est ici :

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Modigliani, le prince vagabond

Source : L'Arche Mag.fr - 07 novembre 2017

A l’occasion de la soirée organisée le 15 novembre en partenariat avec le Bnai Brith, voici l’interview de Stéphane Guillon publiée dans le nouveau numéro de l’Arche magazine.

Laurent Seksik nous permet de redécouvrir Modigliani à travers le prisme de sa relation avec sa femme mais aussi avec cette époque qui hésite à la reconnaître mais n’hésite pas à faire la guerre. Tandis que lui hésite entre l’amour qu’il vit avec Jeanne et celui qu’il vit avec son art, secoué tantôt vers l’un ou l’autre selon les appels de la liberté et ceux de la responsabilité. Et ce côté insaisissable, qui ne se résume pas à un label, un bon mot, une appréciation ou un like comme on dit de nos jours.

L’Arche : Qu’est-ce qui vous a particulièrement intéressé chez Modigliani ?
Stéphane Guillon : Je pense que c’est son caractère, ce mélange de mégalomanie, de fragilité. Laquelle est inhérente à beaucoup de peintres, de chanteurs, de comédiens.

L'A : Lunia, Jeanne… Peut-on avoir plusieurs muses comme le montre jalousement la Jeanne dans la pièce ?
SG : On peut avoir plusieurs muses, plusieurs sources d’inspiration. Surtout à cette époque où règne une très grande liberté. Bien plus qu'aujourd’hui. Modigliani tient énormément à cette liberté. La pièce décrit comment il craint de la perdre. Il est torturé par l’ambiguïté de ressentir le besoin de vivre avec Jeanne et celui d’être libre.

L'A : Cette liberté est également liée à cette génération de peintres, qui peinent à être reconnus alors, et explosent tous les codes, et que l’on retrouve dans les conversations des personnages.
SG : Relativement peu dans la pièce. On parle de Picasso, Matisse, Derain, Renoir… On comprend qu’il y a aussi un mélange d’admiration et de rivalité.

L'A : Elie Faure en parlant d'Utrillo dit : «C’est un vagabond comme Modigliani.» Y avait-il une certaine noblesse à ce terme d’alors ? Est-ce que ce terme et cette attitude trouvent un certain écho aujourd'hui ?
SG : Je pense qu’on s’est bien entendu éloigné de cette vision et même de celle des années 80. Les artistes sont de moins en moins vagabonds et de plus en plus fonctionnaires dans leur façon de travailler, de considérer leur « art ». Patrick Dewaere pouvait totalement s’inscrire dans l’univers d’un Modigliani. Il y a des gens qui cherchaient des sensations extrêmes pour nourrir leur art. Il fallait vivre intensément afin de donner le meilleur de soi sur une scène ou sur une toile.

L'A : Dewaere a donc eu beaucoup d’influence sur votre manière d’aborder le travail ?
SG : Pas seulement moi. Toute ma génération. Il jouait vrai. Il n’y avait pas d’artifices. Modigliani agit de la sorte, que ce soit dans ses rapports avec sa femme, les marchands ou la critique. Cette attitude est également le fruit d’une frustration de ne pas avoir été reconnu de son vivant. Seulement un peu et sur le tard. Il n’y a rien de pire pour un artiste. Même s’il a conscience d’être un grand peintre et qu’il sera reconnu un jour. En même temps, il est extrêmement sensible à la critique ou à la comparaison.

L'A : Le talent d’un peintre, d’un acteur ou d’un humoriste réside-t-il dans la capacité à ne pas laisser le public être bercé. À provoquer un malaise dans la salle, le spectateur doit-il s’attendre à être frappé par surprise ?
SG : C’est ce qui m’a vraiment séduit dans le rôle. Ce côté presque dangereux parfois. Ce qu’on retrouve chez un acteur comme Niels Arestrup. Même quand il parle doucement. La nitroglycérine qui est en lui peut exploser à tout moment. J’ai retrouvé des choses de moi dans la façon d’être très susceptible concernant les comparaisons avec d’autres humoristes, les fragilités, les colères et les emportements qui sont inhérents à beaucoup de gens qui font ce métier. Cette façon dont Modigliani joue, « maltraite » son entourage auquel il fait payer cela, ça m’a beaucoup parlé. Les artistes novateurs comme Modigliani souffrent au départ d’une forme de rejet. Lorsqu’il peint des yeux noirs ou qu’il refuse de faire des perspectives, les gens ne comprennent pas. Une incrédulité similaire se manifeste lorsque Picasso s’oriente vers le cubisme. Ils rejettent ce qui est nouveau pour eux. Concernant l’humour c’est pareil. Aujourd’hui on a oublié car les humoristes morts sont canonisés, mais Pierre Desproges lorsqu’il faisait La Minute nécessaire de Monsieur Cyclopède, il se prenait des tombereaux d’injures, des lettres de téléspectateurs qui demandaient de qui on se moquait…

L'A : Pareil pour Guy Bedos qui fut censuré sous Giscard.
SG : Effectivement. Lorsqu'on sort un peu du carcan, les têtes sont coupées.

L'A : Pensez-vous qu’en France le public se méfie des gens qui passent d’une expression artistique à une autre ?
SG : Oui, mais je pense que les artistes sont aussi coupables lorsqu'ils se laissent faire. C’est à eux de se mettre en danger. Ce qu’il y a de pire dans ce métier, c’est le confort. Dès que ça ronronne, vous n’êtes plus dans la créativité. Il faut accepter de se mettre parfois en danger. De changer totalement de registre.

L'A : Ce que vous avez fait dans Inconnu à cette adresse et d’autres pièces ?
SG : Oui, comme lorsque je jouais aussi dans les films d’Anne Fontaine, Laetitia Masson ou Marc Fitoussi. Je n’ai jamais fait Camping 4. Il se trouve qu’on ne me l’a pas proposé. J’ai toujours essayé d’aller vers un cinéma d’auteur, des pièces exigeantes. Peu de comédies ou de vaudevilles. Ce qui m’intéresse, c’est d’être là où on ne m’attend pas.

L'A : En parlant d’inattendu, on retrouve dans le texte de Laurent Seksik un esprit proche du Mangeclous d’Albert Cohen. Par exemple ce passage où le marchand dit d’un collègue : «Cet exploiteur, ce juif !». Jeanne répond : «Mais enfin tu ne peux pas traiter Léopold de juif !» Ce à quoi Modigliani répond «Ça ne vous a pas suffi d’avoir envoyé Dreyfus au bagne, vous voulez empêcher les juifs de s’insulter entre eux ?» Est-ce pour vous une définition de l’humour juif ?
SG : Comment définissez-vous l’humour juif ? Par le fait de se moquer de soi-même ?

L'A : La définition de Truffaut : se réveiller en colère. Un humour noir qui déconstruit les haines et préjugés en commençant par ceux que l’on peut avoir soi-même. Ou les situations que l’on subit.
SG : Je suis assez d’accord avec cette vision.

L'A : Comment s’est déroulée la rencontre avec Laurent Seksik ?
SG : C’est ma femme qui m’a fait découvrir ses romans. Laurent est un immense auteur, doté d’une écriture très belle et classique. C’est ce que j’aime dans le théâtre. En tant que comédien, j’ai du plaisir à lire son texte. Pour Modigliani, qui était un prince, qui aimait avoir un auditoire et être écouté, je pense que c’était indispensable d’avoir cette langue-là. Ces digressions et envolées lyriques. Il s’écoute parler même à certains moments. Ça coule très bien.

Inscriptions à la soirée du 15 novembre : [email protected] ou 06 60 48 77 62
Modi, une pièce de Laurent Seksik. Avec Stéphane Guillon, Sarah Biasini, Geneviève Casile et Didier Brice.
Au Théâtre de l’Atelier - 1 place Charles Dullin -  75018 Paris

Bild und Funk - N° 23 - 08 juin 1958

Pas d'article intérieur.

Mein Film - N° 39 - 28 septembre 1956

Article intérieur : * Sissy, die junge kaiserin (Romy Schneider) 2 page 4 photos

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Tausend Lieder Ohne ton

NDLR : Les images de ce téléfilm sont très rares alors, merci à F. de ce partage !

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Radio RCJ : "Les matinales" du 07 novembre 2017

 À 11h00 : Les matinales.

Thème "Modigliani". Autour de la pièce «Modi» au Théâtre de l’atelier.
Avec Laurent Seksik, écrivain auteur de la pièce, Sarah Biasini, comédienne, Stéphane Guillon comédien (par téléphone) et un commissaire-priseur de Chez Christie’s.

Pour écoutez l'émission, c'est ici (~ 50 minutes) :

Pour regarder l'émission, c'est ici :

Ecoutez la radio en ligne ici

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Modigliani, le génie incompris !

Source : Le mille-pattes.com - 06 novembre 2017

Le Théâtre de l’Atelier propose actuellement la découverte d’une très belle pièce, « Modi » de Laurent Seksik.

Dès les premiers instants, nous nous retrouvons dans l’appartement d’artiste d’Amedeo Modigliani et de sa compagne Jeanne. Sarah Biasini et Stéphane Guillon incarnent à la perfection ces deux personnages complexes. Une histoire d’amour forte. L’art et la folie créatrice se conjuguent au présent.

Ils sont comme des siamois. Semblables. Inséparables. Et si différents.

En 1917, Modigliani est un peintre en quête d’une reconnaissance qui peine à venir. À Montparnasse, il côtoie d’autres artistes de sa génération. Kisling, Apollinaire, Picasso ou Soutine. Ils sont jeunes et brillants. Paris leur appartient.

Amedeo vit avec une femme depuis peu. Elle s’appelle Jeanne Hébuterne. Elle devient sa muse. Avec lui, Jeanne partage tout. Ses angoisses, ses doutes sur son devenir. Il ne croit plus en rien. Un jour, elle s’émerveille devant un paysage qu’il a réalisé. Elle le trouve beau, puissant. La toile a une âme réelle. Amedeo pense le contraire. Il est voué à la mort si son imagination n’est pas plus inspirée.

Autour du couple, deux autres protagonistes sont importants. D’abord la mère de Jeanne, Eudoxie, très inquiète pour sa fille. Elle ne comprend pas son choix. Pourquoi s’est-elle éprise d’un homme alcoolique et instable ? Jeanne ne l’entend pas. Elle vit pour Modigliani et décide d’arrêter de peindre. Selon la jeune femme, il est un dieu du pinceau. Elle se sacrifie pour jouer le rôle d’une épouse attentive et compréhensive. Elle n’exploite plus son propre talent.

Léopold Zborowski est marchand d’art. Ami d’Amedeo, il l’aide à vendre ses tableaux. Les difficultés sont nombreuses. Modigliani intéresse peu les collectionneurs.
Amedeo est tuberculeux. Il est exempté de service militaire et ne peut donc se rendre sur le front durant la Première Guerre mondiale. Il se sent faible et inutile.

Avec Jeanne et Eudoxie, il fuit Paris pour Nice. La Côte d’Azur lui redonne une assurance certaine. Il est conquis par la lumière méditerranéenne. Jeanne lui annonce qu’elle est enceinte.
Une obsession s’empare alors de lui ; celle de retourner à Livourne en Italie, ville de son enfance. Un rêve. Un songe.

Le temps passe. Modigliani n’a plus qu’un seul désir, regagner Paris. Une petite fille est née. Jeanne. Deux Jeanne attachées à la vie et un Amedeo ne pensant qu’à la mort.
L’artiste a sombré. Une fois encore. Définitivement.
Eudoxie, qu’il ne supportait pas auparavant, lui devient sympathique. Pour Amedeo, c’est le signe de sa perte. Il ne cherche plus à se battre.
Il sombre dans la drogue et l’alcool.
Jeanne, Eudoxie et Léopold veulent le sauver. En vain. La vie s’en va.

La mise en scène de Didier Long est remarquable. Les spectateurs sont plongés au cœur du Paris des années 1910. Stéphane Guillon est impressionnant de sincérité. Il est Amedeo. Sarah Biasini, Geneviève Casile et Didier Brice sont merveilleux. Soutiens indéfectibles du peintre.

L’humour noir est partout dans cette pièce envoûtante !
À voir sans modération !

Marion Allard-Latour

Legendas - N° 124 - Octobre 2017

Article intérieur : * Alens Delons un Romija Sneidere : Uz laimes slieksna 8 pages 7 photos

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A titre posthume

Auteur : Brigitte Bonidon
Editions : Lulu.com
Broché: 226 pages
Langue : Français

Sortie le : 20 octobre 2017
Prix : ~ 15 euros

ISBN-10 : 0244340900
ISBN-13 : 978-0244340902

Disponible à la commande sur Amazon.fr

Le mot de l'auteur :
C'est mon deuxième ouvrage de poésies. Avec des mots simples et sincères je rends hommage à des personnalités mondialement connues (N. Mandela, J F Kennedy, I. Gandhi, Lady Di, Grace de Monaco, Marilyn Monroe, Margaret Thatcher, Rosa Parks, Bob Marley, Che Guevara, Mère Teresa, Lemmy Kilmister...) ou célèbres en France (Jean Ferrat, Simone Veil, Jean Jaurès, de Gaulle, Joe Dassin, Romy Schneider, Baudelaire, Georges Moustaki, Balavoine, Coluche, T. le Luron, Marie Curie, Coco Chanel, George Sand, Colette, Simone de Beauvoir, Louise Michel, Jacques Brel, Jeanne Moreau, Edith Piaf, Dalida, Marie Curie, Jean Moulin, Lucie Aubrac, Michel Delpech, Joséphine Baker, Barbara, G. Dominici...) ou connues dans mon Périgord (Suzanne Lacore, Laure Gatet...) ou encore à des personnes de mon entourage (mes grand-parents) et de mon coeur (Maurice, Serge). J'évoque aussi des sujets qui me tiennent à coeur ; les guerres, les attentats et je rends hommage à leurs victimes toujours avec pudeur et respect...

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Le vieux fusil

Blu-Ray 4K ultra HD - 1 disque (Edition collector)
Studios : LCJ Editions

Langue : Français
Sous-titres : ?
Bonus : ?

Sortie le : 24 janvier 2018
Prix : ~ 25 euros

Disponible à la commande sur Amazon.fr

 

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Blu-Ray - 1 disque
Studios LCJ Editions

Langue : Français
Sous-titres : ?
Bonus : Bruniquel, tournage du film (4') - Sortie du film (4') - La nuit des César 1976 (4') -
Interview de Pascal Jardin (3') - Bande-annonce - Galerie de photos -
Filmographies de Philippe Noiret, Romy Schneider et Robert Enrico

Sortie le : 24 janvier 2018
Prix : ~ 15 euros

Disponible à la commande sur Amazon.fr

Le vieux fusil

DVD - 1 disque
Studios : LCJ Editions

Langue : Français
Sous-titres : ?
Bonus : Bruniquel, tournage du film (4') - Sortie du film (4') - La nuit des César 1976 (4') - Interview de Pascal Jardin (3') - Bande-annonce - Galerie de photos - Filmographies de Philippe Noiret, Romy Schneider et Robert Enrico 

Sortie le : 24 janvier 2018
Prix : ~ 13 euros

Disponible à la commande sur Amazon.fr

Radio Notre Dame : "A l'oeil du prince" du 03 novembre 2017

Source : Radio Notre Dame - 03 novembre 2017

Interview de Sarah Biasini par Christophe Mory, pour «Modi», de Laurent Seksik, au théâtre de l’Atelier (Paris 18ème).

Europe 1 : "Melting Pop" du 03 novembre 2017

Source : Europe 1 - 03 novembre 2017

Toute l’actualité culturelle avec Patrick Cohen, en compagnie des spécialistes de la rédaction d’Europe 1 qui voient les films, écoutent les musiques et lisent les livres. Ils visitent les expos et vous proposent les spectacles qui vont faire événement. Sans préjugés, sans concession, sans trop se prendre au sérieux non plus… Chroniques, invités, extraits : de quoi vous donner envie !

Invitée :
Sarah Biasini, Comédienne

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"Modi" au théâtre de l'Atelier : "Il y a de l'humour noir et un second degré dans la pièce"

Sur Europe 1, la comédienne Sarah Biasini évoque la pièce dans laquelle elle joue la muse du peintre Amedeo Modigliani, au théâtre de l'Atelier, à Paris.

INTERVIEW
Elle a souvent joué les femmes amoureuses. Que ce soit dans la pièce "Pieds nus dans le parc", il y a 10 ans, dans la pièce "Ring", au Festival d'Avignon, ou encore dans "Un fil à la patte", au début de l'année, en compagnie d'Yvan Le Bolloc'h. Sarah Biasini l'est encore dans "Modi", au théâtre de l'Atelier, où elle joue Jeanne Hébuterne, la muse du peintre Amedeo Modigliani, interprété par Stéphane Guillon.

Une muse qui a tout sacrifié
"Pour jouer, je me suis inspirée de ses toiles à elle. J'ai trouvé un livre magnifique sur le couple où j'ai trouvé les œuvres de Jeanne. Quelle tristesse, car elle s'est totalement sacrifiée", raconte Sarah Biasini. La muse du peintre a en effet arrêté la peinture, un choix terrible pour elle, par amour.

Dans cette pièce, qui s'intéresse aux deux derniers jours de Modigliani, le peintre est malade, parfois violent, mais malgré tout, le créateur de la pièce, Laurent Seksik, a voulu mettre de l'humour. On rit, vraiment. "C'est le souhait de Laurent, cela se perçoit dans le texte et le ton. Je pense que c’est pour cela qu'il a fait appel à Stéphane Guillon. Il y a de l'humour noir, un second degré, un cynisme, un sarcasme dans la pièce", détaille la comédienne.

L'adrénaline du théâtre
Interrogée sur sa grande présence au théâtre, mais peu ailleurs, Sarah Biasini confie : "Je pense que je suis plus à l'aise sur un plateau de théâtre, que face à une caméra". Le rapport direct entre l'artiste et le spectateur, au théâtre, est un lien unique selon la comédienne. "Ce qui est vraiment jubilatoire, c'est que tous les soirs cela change, des personnes nouvelles viennent. Il y a une vraie adrénaline : quand la pièce démarre vous allez jusqu'au bout, vous ne pouvez pas recommencez."

Par G.P.

"Modi" : La métamorphose de Stéphane Guillon : chapeau !

Source : Atlantico - 03 novembre 2017

THEATRE
« Modi » de Laurent Seksik
Mise en scène : Didier Long
Avec Stéphane Guillon, Sarah Biasini, Geneviève Casile, Didier Brice.

INFORMATIONS
Théâtre de l’Atelier - 1 Place Charles Dullin - 75018 Paris
Jusqu'au 31 décembre 2017
Réservations: 01 46 06 49 24
http://www.theatre-atelier.com

RECOMMANDATION : EXCELLENT

THEME
Un atelier de peintre à Montparnasse en 1917. Attention ! pas n’importe quel peintre, non, on est avec Amadeo Modigliani (1884- 1920), l’Italien de Livourne installé à Paris, comme à l’époque tant d’autres, de Pablo Picasso à Henri Matisse en passant par Chaïm Soutine ou encore Moïse Kisling.
Pas très loin, il y a aussi le poète Guillaume Apollinaire.
Dans cet atelier, on découvre une mère et sa fille, celle-ci étant l’épouse de Modigliani.
La mère, Eudoxie Hébuterne, reproche à sa fille enceinte cette union avec cet Italien bohème, irresponsable, alcoolique avec un penchant certain pour l’absinthe, drogué au cannabis et au haschich et pour finir, tuberculeux, et lui conseille de le quitter au plus vite; et aussi, de se débarrasser du bébé qu’elle porte.
La fille, Jeanne Hébuterne, est follement amoureuse; à un point tel que, peintre très talentueuse, elle mettra fin à sa carrière pour être la muse et le modèle de «Modi» le maudit.
La pièce, centrée sur les trois dernières années du peintre et sculpteur, aussi génial que scandaleux, évoque également le monde de la peinture, avec le marchand d’art et poète polonais Léopold Zborowski, ce qui donne de délicieux échanges entre «Modi» et "ZBo", qu'il tient pour l’amant de sa compagne, Jeanne.
Mais au dessus de tout, plane l’amour. Le grand thème de la pièce. L’amour fou d’une femme pour son homme souffrant jusqu'au plus profond de sa chair du manque de reconnaissance mais prince de la bohème jusque dans son agonie, terrassé par la tuberculose.

POINTS FORTS
- Le texte de Laurent Seksik, romancier confirmé. On a là une véritable leçon de dramaturgie: c’est tragique, c’est comique, c’est pathétique; mais c’est léger comme un tableau de Modigliani.
- La mise en scène classique mais très efficace de Didier Long, soutenue par un décor sombre, de Jean-Michel Adam.
- Une distribution de haut vol avec deux «Rolls Royce», Geneviève Casile et Didier Brice, et une comédienne, Sarah Biasini, qui prouve une fois encore qu’elle est bien plus qu’une «fille de» [...].
- Dans le rôle de Modigliani, Stéphane Guillon a la barbe grise épaisse et le sourcil toujours levé. Réputé humoriste grinçant et spécialiste du seul en scène, il rappelle là dans «Modi» qu’il est avant tout un (excellent) comédien de formation classique, capable de passer d’un registre à un autre avec une belle agilité artistique. Il est parfait dans le rôle de ce personnage maître dans l’art du trait d’esprit.

POINTS FAIBLES
Difficile de trouver un point faible à cette pièce. Avec «Modi», Laurent Seksik a évité le piège que sous-tend toute histoire d’un artiste avec sa muse…

EN DEUX MOTS
- La flamboyance du Montparnasse du début du 20e siècle, voilà un décor parfait pour le destin tragique et lumineux de Modigliani, remarquablement évoqué ici.
- Et puis il y a Stéphane Guillon, qui rappelle, là, qu'il est un remarquable comédien.

UN EXTRAIT
- Eudoxie : « Dire que tu aurais pu avoir le monde à tes pieds… Et te voilà à genoux devant le pire des hommes !
- Jeanne : Je ne suis pas à genoux et c’est le meilleur des hommes !
- Eudoxie : Je n’arrive pas à t’imaginer, toit, ma petite fille, si douce, si précieuse, sur… ce matelas… Tu nous a trahis, Jeanne. Tu trahis qui nous sommes, ce en quoi nous croyons. Au nom de quoi ?
- Jeanne : De ma vie.
- Eudoxie : Une vie de bohème… c’est cela dont tu rêves ? Habiter un taudis à côté d’un fou ? (…) »

L'AUTEUR
Né en 1962 à Nice (Alpes-Maritimes), Laurent Seksik est médecin, journaliste, scénariste de BD et écrivain français. Il commence à écrire à 18 ans, tout en débutant ses études de médecine. En 1999, il publie son premier roman, «Les Mauvaises Pensées», suivi en 2004 de «La Folle Histoire» pour lequel il recevra le prix Littré, puis en 2006 «La Consultation».
En 2008, il publie une biographie d’Albert Einstein. En 2010, ce sera « Les derniers jours de Stefan Zweig », grand succès de librairie (plus de 150 000 exemplaires vendus), traduit en quinze langues. Cinquième roman en 2011 : «La Légende des fils»; suivi en 2013 par «Le cas Eduardo Einstein» (traduit en douze langues); en 2015, par «L'exercice de la médecine»; et en janvier 2017, par «Romain Gary s’en va-t-en guerre».
Dramaturge, il a écrit à ce jour trois pièces. Les deux premières («Les derniers jours de Stefan Zweig»- 2013, et «Le Monde d’hier»- 2016) sont des adaptations. «Modi» est en fait sa première pièce «originale»